Jethro tull, 50 anos depois. devemos nos preocupar com o uso de bitcoin de voz da aldeia

Tudo começou quando eu tinha treze anos anos velho. Consegui um emprego lavando pratos em um restaurante em um subúrbio sujo a oeste de Baltimore. Era o tipo de junco dos anos setenta onde uma planta de maconha desarrumada estava uma vez escondida na máquina de lavar louça em um pânico paranoico que os narcotraficantes iriam invadir a cozinha. Sem vergonha, liguei a máquina para esconder melhor as provas. Passei quatro horas depois do horário de encerramento com meu melhor amigo de chapà © us enxaguando a bagunça desalinhada em uma peneira enorme e depois secando o que era aproveitável no forno de pizza.

Apesar desse fiasco, foi um ótimo trabalho para uma criança que amava a música. Eu era um virador de discagem tarde da noite, descobrindo os Stones através de um programa de rádio determinado a expor as raízes do rock tocando 78s de lendas do blues como Robert Johnson, Charley Patton e Bessie Smith.


Uma meia-noite em particular, fiquei espantado com o “White Light / White Heat” do já quebrado Velvet Underground, cortesia da ampla programação da mesma estação universitária. O problema era, embora o Baltimore – D.C. a área tinha uma cena de show agitada, eu não tinha idade para dirigir. Foi aí que meu trabalho proporcionou um enorme benefício: as cozinheiras e garçonetes mais velhas me deram um brilho e me levaram a todos os tipos de shows de rock, como se eu fosse uma espécie de mascote da equipe. Quão sortuda eu fui ao ver a turnê “Diamond Dogs” de David Bowie? E para testemunhar um maníaco Elton John arremessando seu banco de piano ao redor do palco? Não tão espetaculares quanto os clipes que eu vi do Jimi, que partiu com muito tesão, incendiando seu machado, mas uma coisa inebriante para uma criança no colegial.

Um cozinheiro do restaurante foi fortemente em uma estação de FM que serviu uma dieta constante de rock progressivo. Vasculhando as lixeiras da loja de departamentos Korvettes local, descobri que gostava das capas dos álbuns do gênero – as paisagens de Roger Dean para o Sim, a sedutora biomecânica do H. G.Giger na capa da Brain Salad Surgery – mais do que a música. Ainda assim, havia uma roupa supostamente prog (e, sem dúvida, excêntrica) que me cegou com lambidas e sonoridades esotéricas: Jethro Tull. (O grupo recebeu o nome do agricultor inglês do século XVIII que inventou o semeador, entre outras realizações.)

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Vi pela primeira vez Tull, liderado por multi-instrumentista – mais notavelmente, a flauta – e vocalista Ian Anderson, em 1975. Eu os via mais vezes, porque eles pareciam balançar a área pelo menos uma vez por ano durante a minha adolescência. Na época, ganhei dinheiro suficiente lavando pratos para marcar uma Pentax 35mm usada, e assim me tornei o documentarista da gangue. Nós nunca poderíamos comprar os melhores assentos, então minhas incursões iniciais na fotografia de concerto vieram através de uma lente teleobjetiva emprestada.

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Eu tenho fotos de uma zebra no palco com Tull (ou, mais precisamente, alguém em uma roupa de zebra), e tenho certeza que também me lembro de algumas bolas de estrume. Os trajes da banda podem ser classificados como psicodélicos barrocos. Em um concerto, Anderson (nascido em 1947) usava ombreiras com nervuras e uma calça, como um atleta que se esqueceu de colocar a camada final de seu uniforme. O que era apropriado, porque o vocalista – flautista-harmônico praticamente nunca parava de girar – pulando, pulando e dançando ao longo dos shows, usando sua flauta alternadamente como bastão e falo quando ele não estava soprando nela.

Ainda assim, fiquei completamente surpreso quando um amigo de colegial que eu não vi em décadas me contou sobre um ingresso para ver a parada da Filadélfia Jethro TullTour de aniversário de ouro. (Ken e eu estivemos no mesmo time de beisebol que perdeu um playoff próximo do estado de Maryland para o então campeão Cal Ripken Jr.) “Claro que sim”, eu pensei, “por que não?” Mas primeiro eu queria dar uma olhada no Voice’s arquivos. Qualquer banda que já existe há meio século e vendeu dezenas de milhões de álbuns – e não ganhou um Grammy em algum momento depois que parei de prestar atenção …? – deve ter obtido muita tinta em um papel famoso por sua erudição rock ‘n roll.

Primeiro, fiz uma busca on-line de “Jethro Tull, 1968”, o ano em que seu álbum inaugural, This Was, foi lançado. Isso me levou a janeiro de 1969, quando Tull, já popular na Inglaterra, estava embarcando em uma turnê nos EUA. Fiquei impressionado ao descobrir que a primeira aparição americana da banda foi no Fillmore East, na Second Avenue. Com certeza, encontrei-os na edição de 23 de janeiro da Voice, listada em um dos anúncios com borda distintiva do Fillmore, anunciada abaixo de Blood, Sweat & Lágrimas, mas acima da Savoy Brown Blues Band.

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Compartilhar um show com o Savoy Brown não foi surpresa, porque o This Was tem uma forte influência do blues, inspirado em parte pelo guitarrista original da banda e pelo vocalista Mick Abrahams. As músicas tinham uma vibração estrondosa aliada a algumas letras arrogantes, como estas linhas de “My Sunday Feeling”: “Alguém não vai me dizer onde eu coloquei minha cabeça ontem à noite? / Eu realmente não me lembro / Mas com mais uma cigarro eu acho que eu poderia.

Mas Anderson e Abrahams estavam tendo “diferenças criativas”, e este seria o primeiro e último álbum de Tull no qual qualquer um que não fosse Anderson cantaria ou escreveria qualquer uma das músicas. Na verdade, o encarte do álbum dizia: “Era assim que estávamos tocando – mas as coisas mudam – não é?” E, de fato, quando Tull tocou seu primeiro show nos Estados Unidos, eles tinham um novo guitarrista, Martin Barre. Eles também ganharam o que pode ser a primeira resenha dos EUA, que apareceu na seção de Riffs do Voice. Escrito por Jennifer Gale, segue-se um parágrafo sobre headliner Blood, Sweat & Lágrimas e lê na íntegra:

JETHRO TULL, também no Fillmore, faz coisas legais para a sua cabeça. Eu me encontrei sentado de pernas cruzadas em um cantinho escuro, realmente cavando-os – mas me disseram que você tinha que assisti-los, o que eu não pude porque eles fizeram algumas coisas muito estranhas no palco. Ian Anderson faz aquela flauta lindamente (também vocal), e o baterista Clive Bunker é dinamite. Quando um público escuta um solo de bateria por mais de três minutos e meio e aplaude descontroladamente quando acaba, você sabe que tem que ser outra coisa.

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Um pouco mais adiante, Watrous afirma, “Pussy Galore é rock sem a ideia romântica de emoções, e descobre como o sentimentalismo manipula, mesmo com as melhores intenções: emote aqui, coma agora, tudo de forma ordenada, controle”. suspensão Tull em seu próprio petardo promocional: “Direcionando 12 mercados em todo o país onde Jethro Tull tem sido o mais popular ao longo dos anos, contamos com a ajuda da estação local da AOR para recrutar cerca de 50 ouvintes em cada cidade para participar dessas sessões. ”Os Chrysalis Flacks continuam nos dizendo que pessoas de várias idades e profissões avaliaram as músicas para “ajudar na escolha de quais faixas seriam incluídas na versão final… Crest of a Knave é o resultado deste projeto muito bem sucedido”.

Mas a saga de Crest of a Knave não para por aí. Pouco mais de um ano depois do lançamento, o álbum testado pela audiência de Tull inesperadamente ganhou o Grammy Award de Melhor Hard Rock / Metal Performance Vocal ou Instrumental, de juízes que estavam obviamente lidando com os parâmetros do gênero em expansão. Como outros indicados incluíam o AC / DC, o Jane’s Addiction e o muito favorecido Metallica, nenhum membro do Jethro Tull estava disponível para aceitar o prêmio. Talvez, para uma banda que sempre exibiu um nível quase absurdo de absurdo de Monty Python nos personagens dos estúdios de seus membros, este prêmio out-of-left-field é apropriado para o seu único gramofone dourado.

Bem, no Mann Center, na Filadélfia, no sábado à noite, eles lançaram uma versão chutando da flauta-fest “Bourée”, a atualização de Anderson de uma composição de Bach, que apareceu no segundo álbum de Tull, Stand Up. A única música que compôs o filme conceitual de 1972, Thick as a Brick, foi tocada ao contrário, evitando o acúmulo acústico e indo diretamente para a música marcante que muda o álbum. Rápido e saltitante (e encurtado para talvez um décimo do seu comprimento original de 43 minutos ou mais), terminava com dedilhado de guitarra, a multidão cantando junto com as linhas de fechamento.