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O País Aborígene de Lisa Bellear começa com o que “Sempre foi, sempre será País aborígene‘. O poema epónimo intitulado segue um orador movendo-se através de sua terra colonizada e vendo / sentindo o impacto de ‘Cachoeiras nomeadas / depois de princesas / rainhas’ e de como ‘Terras Indígenas / Sonhos Indígenas / Espíritos indígenas’ foram rotulados marcados-profanados com nomes / símbolos / monumentos coloniais de violência e espoliação. Bellear fecha o poema enfatizando a subjetividade do locutor:

O “eu” do falante ecoa o “eu” no Indígena, que está escrito três vezes na estrofe anterior. Há imenso peso repousando sobre este retorno “eu” e Bellear demonstra que este “eu” é pressionado. A inclusão do “/” significa movimento corporal – o orador do Bellear está se movendoPaís Aborígene‘Tanto dentro como fora deste poema.


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A documentação e a narração da vida de uma pessoa, ou de seu trabalho, ou de seu “trabalho de vida”, só dão poder se forem assumidas por eles mesmos ou por membros confiáveis ​​da família / amigos / comunidades. É por isso que é importante reconhecer que, após a morte inesperada de Bellear em 2006, sua amiga Jen Jewel Brown começou a compilar poesia coleção com permissões do “irmão e executor literário de Bellear, John Stewart, seu tio Sol Bellear e tia Kay Bellear”. Essas informações são detalhadas na nota do editor do Aboriginal Country, juntamente com a narrativa pessoal de Bellear – que é essencial para os leitores saberem, não para elevar sua poesia já convincente, mas porque tais detalhes demonstram as ações cruciais de Bellear como escritor, artista e ativista.

Ao longo da coleção, o Bellear complica as significações coloniais de aparente estima e respeito que ocorreram – ainda são recorrentes – dentro da Austrália. O poema “Artista Desconhecido” expõe o simbolismo colonial no setor das artes visuais. Bellear dedica o poema: “Para todos os artistas indígenas / colonizados inspirados / por uma visita à Galeria de Arte de New South Wales / para ver o trabalho do Destiny Deacon”. O poema fechando com as linhas:

Coleções como o País Aborígine são vitais para o acesso atual e futuro à poesia de Bellear. Como detalhado na introdução do livro: ainda não foi encontrado nenhum registro do poema de Bellear “Native Title Now”, que foi “indicado ao Prêmio de Direitos Humanos por Poesia de 1995”. No poema ‘A Significant Life’ Bellear refere-se ao ‘esmagador pesar’ de ter que falar continuamente como ‘nativo / sobrevivente urbano / rural’ não apenas por causa de entendimentos futuros, mas também pela esperança de reconciliação e mudança: ‘Para o futuro, se houver, devemos ouvir, falar e compartilhar. Para o futuro.’

A coleção de estréia de Anupama Pilbrow começa com “The Body Poem”, que detalha um assunto proibido entre um amante e “o corpo”. O amante é enamorado pelo “corpo”, o amante aceita “o corpo” e até aprecia “o som que faz como chaves”. O assunto do poema nunca é degradado, usado ou objetivado. Pilbrow, em vez disso, envolve “o corpo” em uma “gaze” protetora (em vez de olhar?) Que “balança na brisa”. O que é mais subversivo e avassalador sobre toda essa coleção é que todo olhar multidimensional sobre um corpo / corpos (não importa o assunto) é terno, atencioso e comemorativo.

“Ocean Poem”, por exemplo, apresenta a complexidade que envolve o barbear dos pêlos do corpo, explicitamente a depilação das pernas, que ainda persiste como uma expectativa de beleza para as mulheres ou para ser considerada feminina. O falante no poema sofre os folículos que eles removeram através da lâmina de barbear e só experimenta consolo vendo e sentindo os fragmentos descartados (a abjeção) do eu:

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Nossas emoções não expressas são muitas vezes fisicamente respondidas de maneira incontrolável. Pilbrow propositalmente não permite muito espaço para o diálogo verbal entre os membros da família em “Insect Poem” e, em vez disso, o falante e sua irmã são “picados” por “insetos … cada mordida como um rosa crescente e dolorido próximo a entrar em erupção”. A picada é externa / interna e o desejo do locutor por calmante manifesta-se na comichão de suas picadas de insetos “até que escarre os escudos vermelhos amarelos”. Um “escudo” é considerado uma forma de amor: proteger “o tesouro de coceira / embaixo” e essa poesia de Pilbrow – é uma resposta e uma validação da existência.

A última coleção de poesia de Kent MacCarter interliga múltiplas e variadas realidades para expor os absurdos e hipocrisias do mundo contemporâneo ocidental – particularmente a América do Norte, que é inevitavelmente (pós) colonial. A coleção também exibe 13 páginas de quadrinhos pop-arty-surreal de Jackie Ryan. Embora as localidades transnacionais também sejam significativas para essa coleção, o estado da Califórnia continua sendo o eixo de rotação: “As coisas estão ficando completamente em Beverly / por aqui”.

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Ser chamado “doce” é tipicamente considerado um elogio. Somos socialmente encorajados a sermos doces e não amargos. Mas ser doce também é ser doce: rico em açúcar para facilitar o consumo. A doçura também tem um espectro: você pode ser doce doentio ou você pode literalmente ficar doente com altos / acertos / batidas de açúcar. Doces também são um prazer: uma recompensa ou um suborno. As conexões de doçura e doces são, portanto, entrelaçadas com o capitalismo, e MacCarter expõe isso instantaneamente com o título do livro e mais intrinsecamente com a poesia interna. O título California Sweet é também um homófono para o termo poético ‘suite’, como indicado pela ortografia de MacCarter da seção intermediária do livro, que é composta de uma série de poemas ekphrastic respondendo a vários materiais encontrados e arquivados descrevendo as histórias complexas e em camadas de o estado californiano frequentemente romantizado.

A poesia de MacCarter também incentiva os leitores / ouvintes a considerar a musicalidade da linguagem e como se sente ao falar ou ler as palavras em voz alta. Não há problema se você não reconhecer imediatamente a miríade de referências dinâmicas nos poemas de MacCarter porque elas existem para desestabilizar o que você acha que sabe e como chegou a esse entendimento. Como o poema ensaístico ‘Uma nota sobre ir super rápido’ sugere: esta coleção está relacionada com o “marketing jingoísmo” de expressões passadas / contemporâneas ‘desenhadas para laço’ e a linguagem “subterfúgio” pode e irá fabricar. A poética de MacCarter é inventiva – brincar e estender os significados e limitações da linguagem para revelar tanto o humor quanto a devastação em relação à nossa dependência das tecnologias atuais e modos de poder literais / metafóricos: ‘carvão tão / pós-moderno / bitcoins vá de variegada e faça cócegas nos plug-in pinkie / toe ’.

Voltando para o doce / suite: quando eu olho para a palavra doce eu vejo a palavra associada de “candied” e, em seguida, removendo uma letra, temos a palavra “candid”. Ler a poesia de MacCarter é sentir uma franqueza – em essência (não baunilha!), Porque MacCarter nunca dilui o sabor de sua poesia, suas influências, ou as realidades / histórias que sua escrita revela: “Por que um Snickers então? O impossível / breve e macarrão compunção?

O título da coleção de estréia de Chi Tran é um aforismo necessário. As duas vírgulas no título: eu ocupo espaço, o que quer dizer, estou sempre sofrendo momentos de oferta para respirar e refletir. O título é especialmente estimulante para o reconhecimento do “I / I”, que por sua vez ativa o “U / u” como leitor. Você está lendo e, portanto, habitando este texto. Há também um subtítulo que expressa: “um pequeno texto / sobre identidade e prosódia”, ampliando ainda mais as preocupações existenciais e lingüísticas da poesia de Tran.

A coleção é composta de duas seqüências poéticas que criam tensão entre articulação e atualidade, desvendando os elementos paradoxais e ideológicos da linguagem. Uma forma de conseguir isso sutilmente é o uso de números decimais por Tran para indicar o início de cada sequência (por exemplo, 1.1, 2.1) versus a ortografia dos números (ou figuras) dentro de cada poema:

Observe como as lacunas mais amplas entre palavras selecionadas rompem uma estrutura de sentença esperada “suavemente”, mas “firmemente”. Ser uma “figura” é ser um corpo – alguém ou ninguém – ou um número. Como uma figura é percebida / codificada é a diferença entre ser humanizado ou desumanizado. E como Tran dolorosamente nos lembra: “Parece que começamos e terminamos com perda, / registrando o formulário sem pausa”.

Em ambas as seqüências da coleção, Tran realiza os atos / ações de reescrever / revisar / reformular cada seção anterior, removendo palavras e / ou letras, juntando palavras e modificando o lineation. O efeito / afeto dessas ações cria e colapsa espaços visíveis e invisíveis, demonstrando / deslocando o processo contínuo do que poderíamos pensar como compreensão (s) em relação à (s) formação (ões) identitária (s). É importante ressaltar que a ordem das palavras em cada poema não muda, porque memórias, idiomas, culturas e histórias não apenas convenientemente assimilam / desaparecem para as pessoas / comunidades que vivenciam a diáspora. Como Tran elucida: “Eu sou egoísta porque gostaria de ser amado em um mundo onde o conceito de / substituição não existe”.

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